REMORQUES
Capitaine du remorqueur Le Cyclone, André Laurent assiste avec son équipage à la noce d’un de ses marins, avant d’être appelé en urgence pour secourir les passagers d’un cargo en détresse. A bord, se trouve notamment Catherine, l’épouse du commandant. Alors que sa femme Yvonne lui dissimule sa maladie et le supplie de prendre sa retraite, André tombe follement amoureux de Catherine, avec laquelle il débute une liaison… Réalisateur de Remorques, Jean Grémillon est reconnu, par les historiens comme par la critique, comme l’un des maîtres du cinéma français entre le milieu des années 20 et les années soixante. Mis en chantier en juillet 1939, Remorques connut une production très accidentée. Le tournage commence en Bretagne pour une quinzaine de jours d’extérieurs. De retour à Paris, l’équipe reprend le travail en août 1939 aux studios de Billancourt pour des scènes d’intérieurs. Las, le 3 septembre 1939, tout s’arrête. La France entre en guerre. Grémillon est mobilisé. Tout comme Jean Gabin, l’interprète du capitaine Laurent. Le tournage reprendra brièvement en avril 1940 grâce à une permission exceptionnelle accordée au cinéaste et à l’acteur. A nouveau interrompu en juin 40, la dernière image de Remorques sera enregistrée début septembre 1941. Le film sort finalement fin septembre 1941 dans les salles françaises et connaît le succès ! Pourtant, malgré ces films et ces réussites, Grémillon fait figure de cinéaste « maudit », probablement victime de classifications hâtives et de malentendus tenaces. En fait, ce cinéaste contemporain de Jean Renoir, Marcel Carné ou Julien Duvivier, n’eut, entre 1937 et 1943, qu’une seule période faste où il réalisa cinq films : Gueule d’amour, Lumière d’été, Le ciel est à vous, L’étrange Monsieur Victor et évidemment Remorques que le cinéma français classa tout de même parmi ses chefs-d’œuvre. Dans un témoignage retrouvé par Bertrand Tavernier alors qu’il préparait son magnifique Voyage à travers le cinéma français, Charles Spaak, scénariste attitré et ami de Grémillon, disait : « Il était intelligent, cultivé, il savait écrire, peindre, composer de la musique. Il était beau, généreux, faisait très bien la cuisine, adorait la vie. Il avait tout pour réussir et il a eu une existence contrariée, sans arrêt marquée d’échecs. Cela venait un peu de son caractère : il aimait travailler avec les scénaristes, avec les acteurs, il était passionné par le montage. Malheureusement, il n’aimait pas les producteurs, et ils le lui ont toujours bien rendu ! » Avec Remorques, Grémillon donne une symphonie sur les thèmes du destin et de l’amour fou. Pour cela, il reforme le couple du Quai des brumes avec Jean Gabin (qui retrouve le réalisateur après Gueule d’amour) et Michèle Morgan, de nouveau amants tragiques. Et Grémillon excelle à mettre en scène avec la même intensité la violence des éléments naturels et celle des sentiments humains… (Carlotta)
THE OLD OAK
Sur la côte nord-est de l’Angleterre, des réfugiés syriens, notamment des femmes et des enfants, descendent d’un bus. Dans les rues de cette cité modeste où s’alignent les maisons de briques rouges, la présence de ces étrangers n’augure rien de bon… Un grand type aviné arrache un appareil photo des mains de Yara, l’une des réfugiées, qui le prenait en photo… L’appareil est brisé. C’est une catastrophe parce que Yara n’a pas les moyens de le faire réparer mais plus encore parce l’objet est lié à la mémoire de son père, emprisonné dans les geôles syriennes et dont elle n’a aucune nouvelle. Après Moi, Daniel Blake (2016) puis Sorry, we missed you (2019), Ken Loach, 87 ans, est revenu tourner dans le nord-est de l’Angleterre mais, après ces deux films qui se terminaient tragiquement, il montre des gens forts et généreux qui réagissaient avec courage et détermination face à l’adversité actuelle. Au coeur du village, The Old Oak, le pub tenu par Tommy Joe Ballantyne, dernier lieu public encore ouvert et menacé de fermeture, est seulement fréquenté par une dernière poignée d’habitués. Yara en pousse la porte. Le pub va devenir le lieu de tous les débats et même d’une forme de réconciliation… Chantre d’un cinéma du réalisme social, Ken Loach s’est souvent penché sur les situations difficiles de la classe ouvrière britannique, créant un immédiat lien d’empathie du spectateur pour ses personnages… Avec The Old Oak, on s’attend à voir « du Loach » et c’est bien « du Loach » qui se déroule sur l’écran. Notamment à cause de beaux personnages comme Yara (Ebla Mari dans ses débuts au cinéma) mais aussi de Dave Turner, le syndicaliste retraité, qui incarne TJ, un type au bout du rouleau. Par son enthousiasme douloureux, Yara lui donne un coup de pied aux fesses. Alors TJ pense qu’il peut y avoir de l’espoir. Un espoir que Loach réussit à faire partager au spectateur qui, à l’instar de Yara, peut aussi dire: « Choukrane, Mister Ballantyne »  (Le Pacte)
L’INCONNU DE SHANDIGOR
« Je n’aime pas l’humanité. Je l’aime dans un bocal d’arsenic ! » Herbert Von Krantz a inventé l’Annulator, un procédé révolutionnaire capable de désamorcer les armes nucléaires, ce qui ne manque pas de susciter la convoitise des services secrets de puissants États comme d’étranges groupuscules terroristes. Savant infirme et à demi fou, Von Krantz s’est enfermé dans sa demeure, véritable bunker protégé par un terrifiant système anti intrusion. Une maison bientôt cernée par des espions de tout poil. Sylvaine, la fille (probablement le seul être humain de l’aventure) du savant et son assistant Yvan sont enlevés pour servir de monnaies d’échange aux assaillants prêts à tout pour récupérer les plans du fantastique Annulator. Chaînon manquant entre Docteur Folamour, Alphaville et la saga James Bond, L’inconnu de Shandigor est le premier long-métrage de Jean-Louis Roy, cinéaste et membre du Groupe 5, l’équivalent suisse de la Nouvelle Vague, aux côtés de Claude Goretta, Michel Soutter ou Alain Tanner. Avec humour, Jean-Louis Roy (1938-2020) affirme ainsi qu’il n’a aucune envie de faire un cinéma suisse « avec des vaches et des petites fleurs ». C’est donc dans un film d’espionnage avant- gardiste, véritable ovni cinématographique mâtiné de science-fiction et de bande dessinée, qu’il se lance en 1967. En jouant allègrement sur les poncifs et les clichés du genre, Roy exploite à merveille et avec un sens aïgu de la parodie, un univers qui pourrait être celui, comme l’a dit un critique, de 007 revisité par Durrenmatt ! Dans cette mosaïque d’intrigues où se croisent des espions à chapeau mou et lunettes sombres, Jean-Louis Roy met en scène de bons comédiens comme l’admirable Daniel Emilfork, grand habitué des méchants fous (et qui sera, en 1995, le savant Krank dans La cité des enfants perdus de Jeunet) mais aussi Jacques Dufilho, Howard Vernon, Marie-France Boyer ou Serge Gainsbourg, qui composa et interpréta pour l’occasion la chanson Bye, Bye Mister Spy. Disponible pour la première fois en Blu-ray dans une belle restauration 4K, L’inconnu de Shandigor est accompagné, en supplément, d’un extrait de l’émission suisse Cinéma-Vif dans laquelle le cinéaste parle de la genèse de son film. (Carlotta)
KANETO SHINDO
D’abord assistant-décorateur à la compagnie Shochiku dans les années trente puis assistant de Mizoguchi pour lequel il écrit plusieurs scénarios parmi plus d’une centaine, Kaneto Shindõ (1912-2012) est également un théoricien du 7^e art et surtout un cinéaste majeur. Il fut découvert en Occident au début des années soixante grâce à L’île nue, film sans dialogue qui raconte l’histoire d’un couple d’agriculteurs qui cultive difficilement sa petite île aride, contraint à de fastidieux voyages sur le continent pour chercher, en barque, de l’eau douce… Au fil d’une oeuvre indépendante, audacieuse et variée, on trouve aussi deux perles fantastiques, désormais réunies dans un beau coffret. Dans Onibaba (1964) et Kuroneko (1968), le fantastique se mêle à une humanité crue, le surréalisme s’ancre dans des décors sobres et uniques, tandis qu’une sublime photographie noir et blanc achève d’emporter le spectateur dans ces mondes hybrides. Avec Onibaba, Shindo plonge dans le 14^e siècle japonais et une guerre entre samouraïs qui ruine le pays. Alors que les hommes ont été pris par la guerre, deux femmes, belle-mère et belle-fille, se terrent dans une petite hutte au milieu des hautes herbes. Elles survivent en traquant les samouraïs blessés pour les achever et vendre leurs effets au marché noir. Expertes dans ce jeu de massacre, elles jettent les dépouilles de leurs victimes dans un trou dont les toutes premières images du film nous disent qu’il est «profond et noir », véritable bouche de l’enfer cachée par les hautes herbes. Mais Hashi, un voisin, revient des batailles. Il fait des avances pressantes à la jeune femme qui, contre les avertissements de sa belle-mère, finit par lui céder. Chaque nuit, quand la vieille dort, la bru court à corps perdu dans les herbes retrouver son amant. Pour tenter de séparer les amants, la vieille se transforme en véritable démon… Dans Kuroneko (initialement sorti sous le titre Les vampires), Gnitoki, un samouraï engagé dans l’armée, découvre les corps de sa mère et de son épouse violées et assassinées. Il rencontre deux femmes qui leur ressemble étrangement. Il s’avère bientôt que ces deux créatures sont les fantômes des défuntes qui cherchent à se venger. Dans les suppléments du coffret, on trouve l’analyse des deux films par Stéphane du Mesnildot, spécialiste du cinéma japonais, un portrait du cinéaste par Clement Rauger et enfin un portrait par Pascal-Alex Vincent de la comédienne Nobuko Otowa, présente dans les deux films et muse de Shindo pour lequel elle tourne plus de quarante films. (Potemkine)
LE DIEU NOIR ET LE DIABLE BLOND
Manuel et Rosa sont un couple qui vit dans la misère sur les plaines arides du Sertão. Désirant s’émanciper de leur situation accablante, Manuel tente de revendre deux vaches à son propriétaire, qui, profitant de la toute-puissance de sa condition, use de contraintes qui amènent le paysan à commettre un meurtre. Ils s’en remettent alors à deux personnages exaltés, violents et mystiques symbolisant la révolte : Sebastião, l’incarnation de Dieu, qui promet une île, terre de paradis où règnerait la justice lorsque « la terre et la mer se réuniront » et Corisco, un « cangaceiro », bandit, pilleur et violeur, celle du diable. Le Brésilien Glauber Rocha (1939-1981) devient, dès les années 1960, un pilier du mouvement Cinema Novo, qui puise son inspiration dans le néoréalisme italien et la Nouvelle Vague française. « Le cinéma novo existe, dit le réalisateur, il est une réponse créatrice, une pratique active dans un pays riche en possibilité et en équivoques. » En 1964, Le dieu noir et le diable blond, véritable date dans le cinéma brésilien, est projeté au Festival de Cannes alors qu’un coup d’état militaire instaure la dictature au Brésil. En novembre 2015, Deus e o Diabo na Terra do Sol figure à la secponde place de la liste établie par l’Association brésilienne des critiques de cinéma des cent meilleurs films brésiliens de tous les temps. Le film qui sort pour la première fois en Blu-ray, dans une version restaurée, est accompagné de différents suppléments dont des analyses par le réalisateur Jean-Pierre Thorn et l’écrivain et historienne Gabriela Trujillo ainsi qu’une rencontre avec Paloma Rocha, la fille aînée du réalisateur et le producteur Lino Meireles. (Capricci).
SMOOTH TALK
Connie Wyatt, une jeune fille de quinze ans, passe l’été en Californie du nord dans la maison de campagne familiale avec ses parents, Katherine et Harry, et June, sa sœur. Horrifiée à l’idée de passer du temps en famille, la lycéenne en pleine crise d’adolescence passe son temps libre à traîner dans le centre commercial avec ses deux meilleures amies et à flirter avec les garçons. Elle finit par éveiller la curiosité d’Arnold Friend, jeune homme charismatique et enjôleur aux desseins ambigus qui a adopté le look et les manières de James Dean. Arnold se montre tour à tour séducteur et menaçant. Avant d’inspirer de nombreux cinéastes comme Laurent Cantet (Foxfire, confessions d’un gang de filles) ou Andrew Dominik (Blonde), l’univers singulièrement torturé de la romancière américaine Joyce Carol Oates avait déjà fait, en 1985, l’objet d’une remarquable adaptation par la réalisatrice américaine Joyce Chopra. Cette dernière ne tournera ensuite plus qu’un seul film pour le cinéma (The Lemon Sisters en 1989 avec Diane Keaton et Carol Kane) avant de se consacrer à la télévision. Dans cette chronique sensible sur l’adolescence qui passe du doux fantasme à la menace sourde, pour aboutir à un final troublant d’ambiguïté, on remarque dans le rôle de Connie la comédienne Laura Dern, âlors âgée de 18 ans et qui deviendra bientôt l’actrice fétiche de David Lynch avec Blue Velvet puis Sailor et Lula mais aussi le professeur Sattler dans la saga Jurassic Park. Arnold Friend est, lui, incarné par Treat Williams, disparu l’an dernier. L’acteur avait alors déjà son actif de beaux personnages dans Hair et 1941 en 1979 mais aussi le policier Daniel Ciello dans Le prince de New York (1981) de Sidney Lumet ou le syndicaliste O’Donnell dans Il était une fois en Amérique (1984) de Sergio Leone. Grand Prix du Jury au Festival de Sundance 1986, Smooth Talk est à découvrir pour la première fois en Blu-ray dans sa nouvelle restauration 4K. (Carlotta)
LA CITE MAGIQUE
Ancien joueur de baseball, Rip Smith dirige désormais un institut de sondage d’opinions. Au bord de la faillite, il doit en renflouer les caisses et en dynamiser la réputation en mettant ses méthodes de travail à l’épreuve du terrain. Pour y parvenir, il décide de sélectionner une ville dont l’opinion publique est en tout point conforme à celle du reste des États-Unis. Cet endroit, c’est Grandview, une petit localité tranquille. Dans le plus strict anonymat, il s’y installe avec son équipe. Mais, très vite, il va se heurter à Mary Peterman, la rédactrice en chef du journal local. Car celle-ci milite pour un Grandview autrement plus progressiste et moderne que l’image figée dans le temps que Rip Smith voudrait en donner… Célèbre pour Wings (Les ailes) qu’il réalise en 1927, William A. Wellman connut une carrière qui s’étendit sur quatre décennies. C’est en 1947 qu’il dirige James Stewart en sondeur dans une ville-test où il va affronter la pugnace Marie bien décidée à réveiller la cité assoupie. Le scénario est signé Robert Riskin, un collaborateur de longue date de Frank Capra et Stewart vient de tourne La vie est belle du même Capra. On ne peut donc s’empêcher de songer à l’univers de Capra mais Wellman, plus porté sur un cinéma sobre et réaliste, n’a pas la fantaisie caractéristique de l’auteur de New York Miami. Le film fut un échec commercial car, après guerre, l’optimisme d’un film comme M. Smith au Sénat avait fait place à un certain désenchantement. Il n’est reste pas moins que le duo (évidemment promis à une romance) entre Stewart et Jane Wyman (qui allait rejoindre Hitchcock pour Le grand alibi) fonctionne bien au coeur d’une comédie romantique nostalgique. Enfin le thème de la fiabilité des instituts de sondage demeure d’actualité. (Sidonis Calysta)
LINDA VEUT DU POULET
Non, ce n’est pas Linda qui a pris la bague de sa mère Paulette ! Cette punition est parfaitement injuste ! Et maintenant Paulette ferait tout pour se faire pardonner, même un poulet aux poivrons, elle qui ne sait pas cuisiner. Mais comment trouver un poulet un jour de grève générale ? De poulailler en camion de pastèques, de flicaille zélée en routier allergique, de mémé en inondation, Paulette et sa fille partiront en quête du poulet, entraînant toute la « bande à Linda » et finalement tout le quartier. Mais Linda ne sait pas que ce poulet, jadis si bien cuisiné par son père, est la clef de son souvenir perdu… Au fait, quelqu’un sait tuer un poulet ? « Ça a existé quand on ne se souvient pas ? » demande Linda, 8 ans, à sa maman. Récompensé du Cristal du long-métrage au Festival du film d’animation d’Annecy et désormais César 2024 du meilleur film d’animation, l’oeuvre de Chiara Malta et Sébastien Laudenbach est joyeusement décalée, follement inventive avec un rythme effréné et une animation virevoltante. Ses graphismes atypiques, avec des dessins esquissés volontairement inachevés, intriguent au début puis laissent place à l’imagination grâce à leur fluidité. Chaque protagoniste a sa couleur, et tandis que Linda entraîne une pléiade de personnages attachants dans une folle farandole existentielle, c’est toute une joyeuse palette de couleurs acidulées qui s’anime. Belle pépite de l’animation française, Linda veut du poulet est une comédie tendre et loufoque sur le deuil, l’absence et le souvenir mais aussi une ode à la vie, à la liberté, au désordre et à l’entraide. En bonus : le making of et une interview des cinéastes ! (Blaq Out)
EAUX PROFONDES
À Jersey, Mélanie et Vic forment un couple psingulier, même s’ils sont bien intégrés dans la population locale. Mélanie séduit d’autres hommes et Vic regarde son épouse dans les bras des autres, sans manifester extérieurement la moindre jalousie. Il s’arrange toutefois pour faire peur aux prétendants et les éloigner de sa femme. Un jour, celle-ci s’éprend du pianiste Carlo. Lors d’une soirée, Vic le tuera en faisant croire à une mort accidentelle dans une piscine. L’enquête conclut à l’accident, mais Mélanie accuse son mari. Arrive alors un Canadien, que Mélanie séduit à nouveau. Vic le tue également, faisant disparaître le corps. Mélanie accuse à nouveau son époux, mais l’enquête est close, faute de cadavre. Mélanie se remet alors à aimer son mari et ils forment à nouveau un couple idéal. Disparu l’an dernier à l’âge de 91 ans, Michel Deville distillait un cinéma mêlant la poésie et l’humour. Ici, en 1981, il donne au thriller psychologique avec une forme d’élégance sobre qui était sa marque de fabrique. Il permet aussi à Jean-Louis Trintignant (Vic) de construire un personnage impassible et grave en même temps qu’il est « diabolique ». Isabelle Huppert est une séductrice et une femme-enfant incapable de s’assumer. Une partie de cache-cache mortelle (adaptée de Patricia Highsmith) autour de la vérité et du mensonge où le cinéaste distille ses informations avec parcimonie pour créer le trouble. Une réussite. (Gaumont)
LA PASSION DE DODIN BOUFFANT
Dans la France de 1885, Eugénie travaille depuis vingt ans comme cuisinière pour le célèbre gastronome Dodin. Elle est considérée comme excellente dans son domaine. Cela s’explique notamment par le temps qu’Eugénie a passé en cuisine avec Dodin, gastronome réputé dans la France du XIXe siècle. Au fil des années, une passion affectueuse s’est développée entre eux. De leur amour commun pour la gastronomie naissent des plats uniques, savoureux et délicats. Femme éprise de liberté, Eugénie n’a cependant jamais voulu épouser Dodin. Elle tombe malade. Il décide alors de cuisiner lui-même pour la première fois pour sa bien-aimée… Pour écrire le scénario de son septième long-métrage (parmi lesquels L’odeur de la papaye verte en 1993), le cinéaste Tran Anh Hung s’est inspiré du roman éponyme de l’auteur suisse Marcel Rouff, paru en 1924, et de l’écrivain français en gastrosophie Brillat-Savarin (1755-1826). Tourner un film sur la cuisine, les goûts et les saveurs est souvent l’occasion de séduire le spectateur en vantant la beauté des saveurs ou en chantant le bonheur des papilles. D’ailleurs, c’est un maître, le chef français Pierre Gagnaire (récompensé par quatorze étoiles au Michelin) qui a servi de conseiller technique pour les plats présentés dans le film… Entre casseroles et marmites, voici donc un beau voyage dans les gestes méthodiques et précis qui font le mystère de la grande table. Le cinéaste s’appuie, ici, sur un duo en verve : Juliette Binoche et Benoît Magimel, tous deux brillants et pudiques sur fond d’amour et de délices. Choisi par la France pour la représenter à l’Oscar du meilleur film étranger (pour lequel il n’a pas été retenu), le film a été l’objet de lazzis, beaucoup s’attendant à voir Anatomie d’une chute être en lice. (Gaumont)
L’ABBE PIERRE : UNE VIE DE COMBATS
Élevé dans le catholicisme dans une famille bourgeoise, Henri Grouès, né en août 1912 à Lyon, est déterminé à devenir prêtre malgré son renvoi du couvent des Capucins de Crest. La Seconde Guerre mondiale va l’en empêcher. À la tête d’un régiment, il est longuement hospitalisé durant la guerre. Il entre ensuite dans la Résistance tout d’abord en aidant les réfractaires au Service du travail obligatoire (STO). Il y fait la connaissance de Lucie Coutaz, qui lui donne le nom d’Abbé Pierre et qui fondera avec lui en 1949 le mouvement Emmaüs. Pendant la guerre, il voit l’horreur de la guerre et perd un ami au front. Jusqu’à sa mort en 2007, il va mener de nombreux combats, comme s’il avait de nombreuses vies. Grande figure de la lutte contre la pauvreté et les injustices, l’abbé Pierre est aussi un homme engagé dans de multiples combats, qu’il s’agisse de résister au nazis, de se battre, comme député, à l’Assemblée nationale, voire même se se battre avec sa santé fragile qui le fit échouer dans la vie contemplative des Capucins… Réalisateur de L’affaire SK1 (2014), Sauver ou périr (2018) et Goliath (2022), Frédéric Tellier s’attelle à un gros morceau avec ce biopic sur l’abbé Pierre tant la vie de cet homme de bien a été riche dans un cheminement autant spirituel que politique et social. Même si certains événements sont seulement esquissés, l’essentiel est de faire la part belle à tous les combats menés. Et le film contient des scènes fortes comme, bien sûr, le fameux appel sur Radio-Luxembourg en février 1954 lorsqu’il s’écrie sur les ondes : « Mes amis, au secours… Une femme vient de mourir gelée, cette nuit à trois heures, sur le trottoir du boulevard Sébastopol, serrant sur elle le papier par lequel, avant hier, on l’avait expulsée… » Ceux qui connaissent mal l’abbé Pierre, le découvriront dans ce film honnête. Les autres se diront qu’il méritait bien ce portrait. Avec à ses côtés Emmanuelle Bercot dans le rôle de Lucie Coutaz, Benjamin Lavernhe offre une émouvante composition. (M6)
LE THEOREME DE MARGUERITE
Seule fille de sa promo parmi les garçons de Normale Sup’, Marguerite Hoffmann est une brillante matheuse dont l’avenir semble tout tracé. Elle termine une thèse sur la conjecture de Goldbach qu’elle doit exposer devant un parterre de chercheurs lors d’un séminaire. Son directeur de thèse, Laurent Werner (Jean-Pierre Darroussin) l’informe alors qu’il vient d’accepter de superviser un autre doctorant, Lucas Savelli, brillant étudiant venu de l’université d’Oxford., Le jour J, une erreur bouscule toutes ses certitudes et l’édifice s’effondre. Marguerite décide de tout quitter pour tout recommencer… Anna Novion, la réalisatrice dit : « Les gens qui ont une rapidité d’esprit hors du commun veulent être en permanence à la hauteur de leurs capacités ». Fascinée par les maths depuis sa plus tendre enfance, Marguerite est une forte personnalité peu à peu obsédée par ses recherches mathématiques qui menacent sa santé mentale. Il est nul besoin d’être doué en maths pour apprécier cette aventure intellectuelle mais aussi sensible puisque le film suit au plus une jeune femme qui va entièrement se remettre en cause. Elle s’installe en colocation avec Noa, très différente d’elle. Avec cette nouvelle complice, Marguerite va trouver, dans des parties clandestines de mahjong, l’occasion d’exercer son sens des chiffres et d’arrondir ses fins de mois. Et si le jeu chinois allait lui redonner l’envie de résoudre la conjecture de Goldbach, ce célèbre problème non résolu de la théorie des nombres et des mathématiques ? Belle interprète de Marguerite, la comédienne franco-suisse Ella Rumpf a obtenu récemment le César 2024 de la meilleure révélation féminine. Et c’est justice. (Pyramide)
CONTAGION
Peu après son retour d’un voyage d’affaires à Hongkong, Beth Emhoff (Gwyneth Paltrow) meurt subitement d’une forme inconnue de la grippe. Son jeune fils décède quelques jours plus tard. Mitch, leur mari et père (Matt Damon), semble immunisé contre cette maladie, qui a frappé les siens et semble se répandre à une vitesse effrayante. Pourtant, il faut plusieurs jours aux autorités sanitaires pour prendre la mesure de la gravité de la situation. C’est en 2011, donc bien après l’épidémie de SRAS et deux ans après celle du H1N1, que Steven Soderbergh met en scène Contagion dont l’écriture précise et sans lyrisme donne le sentiment de voir un documentaire avec l’émergence d’un virus mystérieux, le MEV-1 et la pandémie qui s’ensuit. A l’évidence, Contagion a été vu avec un regard neuf (et volontiers inquiet) lors du Covid-19 et le cinéaste américain a fait courir des frissons dans l’échine des spectateurs. On assiste en effet à la progression rapide d’un virus mortel qui tue les personnes contaminées en quelques jours. Dès les premières minutes, des gros plans sur des poignées de portes, des verres échangés, des boutons d’ascenseurs ou des cartes de crédit, suggèrent les supports de cette transmission. On mesure, par la mobilité des personnes, l’usage des transports publics, comment l’épidémie cesse d’être locale pour devenir pandémie. Et puis un complotiste (Jude Law) lance une campagne de désinformation à partir de la vidéo d’un homme s’effondrant dans le métro de Hongkong. Avec une intrigue qui ne laisse pas le spectateur le temps de souffler, un casting « deluxe » (Gwyneth Paltrow, Matt Damon, Jude Law, Kate Winslet, Laurence Fischburne, Marion Cotillard) voici un film-catastrophe terrifiant. (Warner)
L’AUTRE FEMME
Jeune décoratrice parisienne, Agnès Denis débarque sur une île espagnole à la suite d’une déception sentimentale. Sur le chemin qui mène du car à la villa de bord de mer prêtée par des amis, un inconnu l’aide à se protéger de l’orage et l’accompagne à sa demeure. Agnès voudrait savoir pourquoi tout le monde semble se défier de cet homme. Bientôt Agnès, obsédée par ce Daniel, n’aura de cesse de l’avoir revu. Autour de la Parisienne, gravitent différents comme Ricardo dont la femme, Léna, a disparu, assassinée par son mari disent les uns, conquise par une aventure amoureuse, disent les autres. Comme Daniel prétend que Léna est partie avec un autre homme, Agnès va mener son enquête. Elle connaîtra bien des rebondissements avant de la laisser, seule avec ses larmes, face à la mer. En 1964, François Villiers tourne son avant-dernier film et met en scène un drame que la critique de l’époque massacrera allègrement, parlant de film fade, sans vie, de scénario quelconque. Mais la presse note néanmoins que le film doit beaucoup à Annie Girardot, sa principale interprète, qui trouve, quatre ans après Rocco et ses frères de Visconti, un beau personnage fait d’amertume et de douceur. (Gaumont)
MONSIEUR LE MAIRE
Maire de Cordon, un petit village de montagne au pied du Mont-Blanc dans les Alpes, Paul Barral subit la désertification et le vieillissement de la population et doit se battre contre la fermeture des commerces et des salles de classe. Alors qu’il cherche désespérément comment attirer de nouveaux habitants, l’arrivée de mères célibataires en situation difficile constitue peut-être la clé pour ramener de la vie dans ce village peu habitué au changement et à l’agitation. Chanteuse au franc-parler, Joe-Lynn (Eye Haïdara), avec ses deux enfants, va vite faire des étincelles dans ce bourg paisible. Les réalisateurs Karine Blanc et Michel Tavares se sont inspirés de l’histoire vraie d’Arnaud Diaz, maire de L’Hospitalet-près-l’Andorre en Ariège, qui avait créé la Maison des Cimes, un centre d’accueil pour les familles monoparentales dont l’objectif est d’attirer de nouveaux habitants dans le village et de maintenir l’école locale en y scolarisant les enfants des familles. Avec Clovis Cornillac dans le rôle de Paul Barral, patron de scierie et maire surbooké, voici une comédie sympathique autour du thème de la désertification rurale. Et cela même si les non-natifs sont un peu caricaturaux. Mais, tout va bien se passer et tout finira bien. (UGC)
PAS DE PITIE POUR LES CAVES
À Montmartre, prostituées et proxénètes du quartier se retrouvent dans le bar de Victor. L’un d’eux, Charly, ancien musicien devenu un homme du milieu, s’éprend un jour de la belle Laurence, chanteuse de cabaret au Moulin de Montmartre. Mais Fernand, caïd revenant de Chicago pour mener ses activités de drogue et de traite des blanches, voit d’un mauvais œil son ancien acolyte quitter le milieu pour mener une vie honnête en compagnie de sa dulcinée, qu’il voudrait lui-même mettre sur le trottoir. Il exploite la jalousie de Jessy, maîtresse et gagne-pain de Charly, et place un revolver dans son sac. Cette dernière, piquée au vif, n’entend pas laisser sans lutter son homme prendre la tangente. Elle vient faire une scène chez Laurence et, folle de désespoir, finit par tirer sur Charly… Réalisateur de films comme Le collège en folie ou Pas de souris dans le bizness, Henri Lepage signe, en 1955, ce petit polar de série B en noir et blanc. Si tout cela ne vole pas bien haut, on a quand même le plaisir de retrouver des comédiens de ces années-là comme Dora Doll (Jessy), Colette Ripert (Laurence), Robert Berri (Fernand), Michel Ardan (Charly) ou encore Jean Tissier, Jacques Dynam, Max Amyl, Bernard Musson ou Sacha Briquet dont on connaît bien les têtes sans connaître leurs noms ! (Gaumont)